Concept art

Concept art is a form of illustration where the main goal is to convey a visual representation of a design, idea, and/or mood for use in movies, video games, or comic books before it is put into the final product. This is a relatively new designation popularized by artists working in the automobile and video games industries. This term has been in use since the 1930s by the traditional animation industry who was describing drawn or painted images which illustrate the look, feel, design, colors, etc...of the animated movie to be made.[citation needed] Concept art is also referred to as "visual development" in traditional animation. The term was later adopted by the games industry. These illustrations became necessary for developed visual properties.

Konsep seni merupakan bentuk ilustrasi di mana tujuan utama adalah untuk menyampaikan visual representasi dari desain, ide, dan / atau mood untuk digunakan dalam film, video game, atau komik buku sebelum dimasukkan ke dalam produk akhir. Ini adalah relatif baru tujuan populer oleh seniman bekerja di mobil dan video game industri. Istilah ini telah digunakan sejak 1930an oleh industri tradisional animasi yang menjelaskan diambil gambar atau lukis yang menggambarkan tampilan, merasa, desain, warna, dll .. dari film animasi yang akan dibuat. [Kutipan diperlukan] Konsep seni juga disebut sebagai "visual pembangunan" dalam tradisional animasi. Istilah itu kemudian diadopsi oleh industri permainan. Ilustrasi ini menjadi penting untuk dikembangkan visual properti.

Background of Concept Art

In 1961 Henry Flynt coined the term concept art in the famous neo-dada Fluxus book An Anthology (edited by Jackson Mac Low and LaMonte Young) that was released in 1963.^[1] An Anthology contained seminal works by Fluxus artists such as Al Hansen, George Brecht and Dick Higgins.

Pada tahun 1961 Henry Flynt coined istilah konsep yang terkenal dalam seni neo-dada Fluxus buku An antologi (diedit oleh Jackson Mac rendah dan LaMonte Young) yang dirilis pada 1963. [1] Sebuah antologi berisi mani karya seniman Fluxus seperti Al Hansen , George Brecht dan Dick Higgins.

Concept Artists

A concept artist is an individual who generates visual reference for an object (like weapons, armor and vehicles) or being (like a character or creature) that does not yet exist. This includes, but is not limited to, film production, and more recently video game production. A concept artist may be required for nothing more than preliminary artwork, or may be required to be part of a creative team until a project reaches fruition. While it is necessary to have the skills of a fine artist, a concept artist must also be able to work to strict deadlines in the capacity of a graphic designer. Interpretation of ideas and how they are realised is where the concept artist's individual creativity is most evident, as subject matter is often beyond their control.

J konsep artis adalah seorang individu yang menghasilkan visual referensi untuk obyek (seperti senjata, baja dan kendaraan) atau sedang (seperti karakter atau makhluk) yang belum ada. Ini termasuk, tetapi tidak terbatas pada, produksi film, dan yang lainnya baru-baru ini Musicluvr produksi. J konsep artis mungkin diperlukan untuk tidak lebih dari awal karya seni, atau mungkin diminta untuk menjadi bagian dari tim kreatif hingga mencapai hasil proyek. Sementara itu perlu memiliki keterampilan denda artis, konsep artis juga harus bisa bekerja dalam tenggat waktu yang ketat untuk kemampuan desainer grafis. Interpretasi ide dan bagaimana mereka menyadari adalah dimana konsep individual kreativitas seniman yang paling nyata, karena hal ini sering terganggu di luar kontrol mereka.

Materials

In recent years concept art has embraced the use of technology. Software such as Photoshop or Corel Painter has become more easily available, as well as hardware such as Graphics tablets, enabling more efficient working methods. Prior to this, acrylic and oil paint were the most widely used media. Owing to this, many modern paint packages are programed to simulate the blending of color in the same way paint would blend on a canvas; proficiency with traditional media is often paramount to a concept artist's ability to use painting software.

Bahan

Dalam beberapa tahun terakhir konsep seni embraced penggunaan teknologi. Software seperti Photoshop atau Corel Painter telah menjadi lebih mudah tersedia, serta perangkat keras seperti Graphics tablet, sehingga lebih efisien metode kerja. Sebelum ini, akrilik dan cat minyak adalah yang paling banyak digunakan media. Berkat ini, banyak paket modern cat adalah untuk mensimulasikan programed yang campuran warna dengan cara yang sama akan campuran cat pada kanvas; proficiency dengan media tradisional yang sering terpenting untuk sebuah konsep artis kemampuan untuk menggunakan perangkat lunak lukisan.
Themes

The two most widely covered themes in concept art are science fiction and fantasy. Concept art has always had to cover many subjects, being the primary medium in film poster design since the early days of Hollywood, however, since the recent rise of concept art used in video game production concept art has expanded to cover genres from football to the Mafia and beyond.

Tema

Kedua paling banyak tema yang tercakup dalam konsep seni adalah sains fiksi dan fantasi. Konsep seni selalu harus mencakup berbagai mata pelajaran, sebagai media utama dalam film poster desain sejak awal hari Hollywood Namun, karena baru bangkit dari konsep seni yang digunakan dalam konsep Musicluvr produksi seni telah diperluas untuk mencakup genre dari sepak bola ke Mafia dan seterusnya.

Styles

Concept art ranges from photorealistic to traditional painting techniques. This is facilitated by the use of special software by which an artist is able to fill in even small details pixel by pixel, or utilise the natural paint settings to imitate real paint. When commissioning work, a company will often require a large amount of preliminary work to be produced. Artists working on a project often produce a large turnover in the early stages to provide a broad range of interpretations, most of this being in the form of sketches. Later pieces of conceptual art are produced as realistically as required.

Gaya

Berkisar antara konsep seni tradisional photorealistic teknik lukisan. Ini difasilitasi oleh penggunaan perangkat lunak khusus oleh seorang seniman yang mampu mengisi bahkan rincian piksel kecil oleh piksel, atau memanfaatkan alam cat pengaturan untuk meniru nyata cat. Commissioning ketika bekerja, sebuah perusahaan akan selalu membutuhkan sejumlah besar pekerjaan awal yang akan diproduksi. Seniman yang bekerja pada sebuah proyek sering menghasilkan penjualan yang besar di tahap awal untuk menyediakan berbagai interpretasi, sebagian besar ini sedang dalam bentuk sketsa. Kemudian potongan-potongan seni konseptual diproduksi sebagai realistis seperti yang diperlukan.

Conceptual art

Conceptual art is art in which the concept(s) or idea(s) involved in the work take precedence over traditional aesthetic and material concerns. Many of the works of the artist Sol LeWitt may be constructed by anyone simply by following a set of written instructions.[1] This method was fundamental to LeWitt's definition of Conceptual art, one of the first to appear in print:
“ In conceptual art the idea or concept is the most important aspect of the work. When an artist uses a conceptual form of art, it means that all of the planning and decisions are made beforehand and the execution is a perfunctory affair. The idea becomes a machine that makes the art. – Sol LeWitt, "Paragraphs on Conceptual Art", Artforum, June 1967. ”

For the layperson, this quotation highlights a key difference between a conceptualist installation and a traditional work of art - that the conceptualist's work may require little or no physical craftsmanship in its execution, whereas traditional art is distinguished by requiring physical skill and the making of aesthetic choices. As Tony Godfrey has put it, after Joseph Kosuth's definition of art, conceptual art is an art which questions the very nature of what is understood as art.

The inception of the term in the 1960s referred to a strict and focused practice of idea-based art that often defied traditional visual criteria associated with the visual arts in its presentation as text. However, through its association with the Young British Artists and the Turner Prize during the 1990s, its popular usage, particularly in the UK, developed as a synonym for all contemporary art that does not practise the traditional skills of painting and sculpture.[2] To clarify this popular confusion, it might be said that one of the reasons why the term conceptual art has come to be associated with various contemporary practices far removed from the aims and formal properties it was originally intended to define might be understood as a problem in defining the term itself. As the artist Mel Bochner suggested as early as 1970, in explaining why he does not like the epithet "conceptual", it is not always entirely clear what "concept" ultimately refers to, and it runs the risk of being confused with "intention." Thus, in describing or defining a work of art as conceptual it is important not to confuse what is referred to as "conceptual" with an artist's "intention."

Konseptual seni adalah seni yang dalam konsep (s) atau gagasan (s) yang terlibat dalam pekerjaan yang harus didahulukan estetika tradisional dan bahan keprihatinan. Banyak dari karya seniman Sol LeWitt Mei akan dibangun oleh orang lain hanya mengikuti satu set instruksi tertulis. [1] Ini adalah metode dasar untuk LeWitt dari definisi Conceptual seni, salah satu yang pertama muncul di cetak:
"Dalam seni konseptual gagasan atau konsep yang paling penting adalah aspek dari pekerjaan. Ketika seorang seniman menggunakan sebuah bentuk seni konseptual, berarti bahwa semua perencanaan dan keputusan yang dibuat sebelumnya dan eksekusi adalah urusan tak sungguh-sungguh. Ide menjadi sebuah mesin yang menjadikan seni. - Sol LeWitt, "Paragraf di Conceptual Art", Artforum, Juni 1967. "
Untuk layperson, ini kutip highlights kunci perbedaan antara instalasi conceptualist dan karya seni tradisional - conceptualist bahwa pekerjaan mungkin memerlukan sedikit atau tanpa keahlian fisik dalam pelaksanaannya, sedangkan seni tradisional adalah dibezakan oleh fisik yang memerlukan keahlian dan pembuatan estetika pilihan. Sebagai Tony Godfrey telah menaruhnya, setelah Joseph Kosuth dari definisi seni, seni konseptual merupakan seni yang pertanyaan yang sangat sifat apa yang dipahami sebagai seni.

Dengan berbagai macam istilah di tahun 1960-an yang dimaksud ketat dan fokus praktik berbasis ide seni tradisional yang sering defied visual kriteria yang terkait dengan seni visual dalam presentasi sebagai teks. Namun, melalui asosiasi dengan Young British Artists dan Turner Prize pada tahun 1990-an, yang populer digunakan, terutama di Inggris, dikembangkan sebagai sinonim untuk semua seni kontemporer yang tidak berlatih keterampilan tradisional lukisan dan patung. [2] Untuk menjelaskan ini populer kebingungan, mungkin akan mengatakan bahwa salah satu alasan mengapa istilah konseptual seni telah datang ke dikaitkan dengan berbagai praktik kontemporer dibuang jauh dari tujuan formal dan properti itu awalnya ditujukan untuk menentukan dapat dipahami sebagai masalah dalam mendefinisikan istilah itu sendiri. Sebagai artis Mel Bochner disarankan seawal tahun 1970, dalam menjelaskan mengapa dia tidak seperti julukan "konseptual", tidak selalu sepenuhnya jelas apa "konsep" merujuk pada akhirnya, dan menjalankan risiko yang keliru dengan "niat. " Jadi, dalam menjelaskan atau menentukan sebuah karya seni konseptual sebagai penting untuk tidak merancukan apa yang disebut sebagai "konseptual" dengan seorang seniman dari "niat."

history

The French artist Marcel Duchamp paved the way for the conceptualists, providing them with examples of prototypically conceptual works -- the readymades, for instance. The most famous of Duchamp's readymades was Fountain (1917), a standard urinal basin signed by the artist with the pseudonym "R.Mutt", and submitted for inclusion in the annual, un-juried exhibition of the Society of Independent Artists in New York--it was rejected.^[3] In traditional terms, a commonplace object such as a urinal cannot be said to be art because it is not made by an artist or with any intention of being art, it is not unique, and it possesses few of the expected visual properties of the traditional, hand-crafted art object. Duchamp's relevance and theoretical importance for future "conceptualists" was later acknowledged by US artist Joseph Kosuth in his 1969 essay, "Art after Philosophy," when he wrote: "All art (after Duchamp) is conceptual (in nature) because art only exists conceptually."

Conceptual art emerged as a movement during the 1960s. In part, it was a reaction against formalism as it was then articulated by the influential New York art critic Clement Greenberg. In 1961 the term "concept art," coined by the artist Henry Flynt in his article bearing the term as its title, appeared in a Fluxus publication.^[4] However it assumed a different meaning when employed by Joseph Kosuth and the English Art and Language group, who discarded the conventional art object in favour of a documented critical inquiry into the artist's social, philosophical and psychological status. By the mid-1970s they had produced publications, indexes, performances, texts and paintings to this end. In 1970 Conceptual Art and Conceptual Aspects, the first dedicated conceptual art exhibition, was mounted at the New York Cultural Center.^[5]

Seniman Perancis Marcel Duchamp diaspal jalan untuk conceptualists, memberikan contoh-contoh konseptual prototypically bekerja - yang readymades, misalnya. Yang paling terkenal dari readymades telah Duchamp Fountain (1917), standar perkemihan kumba ditandatangani oleh artis dengan nama sanaran "R. Mutt", dan diajukan untuk dimasukkan dalam tahunan, un-juried pameran dari Society of Independent Artists di New York - ia ditolak. [3] Dalam istilah tradisional, sebuah objek biasa seperti perkemihan tidak dapat berkata kepada akan seni karena tidak dibuat oleh seorang seniman atau dengan niat sebagai seni, tidak unik, dan memiliki sedikit dari yang diharapkan visual properti sebagai tradisional, hand-crafted seni objek. Duchamp dari teori relevansi dan penting untuk masa depan "conceptualists" kemudian diakui oleh US artis Joseph Kosuth di esei 1969, "Seni setelah Philosophy," ketika dia menulis: "Semua seni (setelah Duchamp) adalah konseptual (di alam) karena hanya ada seni konseptual. "

Konseptual seni muncul sebagai sebuah gerakan pada 1960-an. Bagian dalam, hal ini merupakan reaksi terhadap formalisme seperti yang kemudian disampaikan oleh berpengaruh New York seni kritikus Clement Greenberg. Pada tahun 1961 istilah "konsep seni," coined oleh seniman Henry Flynt dalam artikelnya bearing istilah sebagai judul, muncul dalam publikasi Fluxus. [4] Namun diasumsikan arti yang berbeda bila digunakan oleh Joseph Kosuth dan Bahasa Inggris dan Seni bahasa, yang dibuang konvensional seni objek demi sebuah dokumen penting dalam penyelidikan artis sosial, psikologis dan filosofis status. Pada pertengahan tahun 1970-an mereka telah menghasilkan publikasi, indeks, performance, teks dan lukisan ini berakhir. Dalam Seni dan 1970 Conceptual Conceptual Aspek, pertama didedikasikan pameran seni konseptual, yang dipasang di New York Pusat Kebudayaan. [5]

Conceptual art also reacted against the commodification of art; it attempted a subversion of the gallery or museum as the location and determiner of art, and the art market as the owner and distributor of art. Lawrence Weiner said: "Once you know about a work of mine you own it. There's no way I can climb inside somebody's head and remove it." Many conceptual artists' work can therefore only be known about through documentation which is manifested by it, e.g. photographs, written texts or displayed objects, which some might argue are not in themselves the art. It is sometimes (as in the work of Robert Barry, Yoko Ono, and Weiner himself) reduced to a set of written instructions describing a work, but stopping short of actually making it—emphasising that the idea is more important than the artifact.

The first wave of the "conceptual art" movement extended from approximately 1967 to 1978. Early "concept" artists like Henry Flynt, Robert Morris, Adrian Piper, and Ray Johnson influenced the later, widely-accepted movement of conceptual artists like Dan Graham, Hans Haacke, and Douglas Huebler.

The Young British Artists (YBAs), led by Damien Hirst, came to prominence in the 1990s and their work is seen as conceptual, even though it relies very heavily on the art object to make its impact. The term is used in relation to them on the basis that the object is not the artwork, or is often a found object, which has not needed artistic skill in its production. Tracey Emin is seen as a leading YBA and a conceptual artist, even though she has denied that she is and has emphasised personal emotional expression.

Many of the concerns of the "conceptual art" movement have been taken up by many contemporary artists since the initial wave of conceptual artists. While many of these artists may not term themselves "conceptual artists", ideas such as anti-commodification, social and/or political critique, and ideas/information as medium continue to be aspects of contemporary art, especially among artists working with installation art, performance art, net.art and electronic/digital art. Many critics and artists may speak of conceptual aspects of a given artist or art work, reflecting the enduring influence that many of the original conceptual artists have had on the art world.

Seni konseptual juga reaksi terhadap commodification seni; ia mencoba sebuah subversi dari galeri atau museum sebagai lokasi determiner dan seni, dan pasar seni sebagai pemilik dan distributor seni. Lawrence Weiner berkata: "Setelah Anda tahu tentang pekerjaan Anda sendiri tambang itu. Tidak ada cara saya bisa naik dari seseorang di dalam kepala dan mengeluarkannya." Banyak seniman konseptual 'pekerjaan itu hanya dapat diketahui tentang melalui dokumentasi yang manifested olehnya, misalnya foto-foto, teks tertulis atau ditampilkan benda, yang mungkin beberapa memperdebatkan tidak sendiri dalam seni. Hal ini kadang-kadang (seperti pada karya Robert Barry, Yoko Ono, dan Weiner sendiri) dikurangi menjadi satu set instruksi tertulis yang menjelaskan suatu pekerjaan, tetapi menghentikan kekurangan sebenarnya sehingga-menekankan bahwa ide lebih penting daripada artifact.

Gelombang pertama dari "seni konseptual" gerakan diperpanjang dari sekitar 1967-1978. Awal "konsep" seniman seperti Henry Flynt, Robert Morris, Adrian Piper, dan Ray Johnson mempengaruhi waktu, diterima secara luas-gerakan seniman konseptual seperti Dan Graham, Hans Haacke, dan Douglas Huebler.

The Young British Artists (YBAs), dipimpin oleh Damien Hirst, datang ke menonjol di tahun 1990-an dan pekerjaan mereka dipandang sebagai konsep, walaupun sangat sangat bergantung pada benda seni untuk membuat dampaknya. Istilah ini digunakan dalam kaitannya dengan mereka atas dasar bahwa benda itu bukan karya seni, atau yang sering ditemukan adalah objek yang tidak diperlukan keahlian artistik produksinya. Tracey Emin dianggap sebagai pemimpin YBA dan konseptual artis, meskipun dia menolak bahwa dia telah menekankan pribadi dan ekspresi emosional.

Banyak keluhan dari "seni konseptual" gerakan telah diambil oleh banyak seniman kontemporer sejak awal gelombang konseptual seniman. Sementara banyak seniman ini mungkin tidak istilah sendiri "seniman konseptual", seperti ide-ide anti-commodification, sosial dan / atau kritik politik, dan gagasan / informasi sebagai media untuk terus aspek seni kontemporer, terutama di kalangan seniman yang bekerja dengan seni instalasi, seni, dan net.art elektronik / digital art. Banyak kritik dan seniman Mei berbicara dari aspek konseptual yang diberikan artis atau seni bekerja, yang mencerminkan pengaruh kekal bahwa banyak seniman yang asli konseptual telah di dunia seni.

Photography

The first photograph was an image produced in 1826 by the French inventor Nicéphore Niépce on a polished pewter plate covered with a petroleum derivative called bitumen of Judea. But for centuries images had been projected onto surfaces - artists used the camera obscura and camera lucida to trace scenes as early as the 16th century. These early "cameras" did not fix an image, but only projected images from an opening in the wall of a darkened room onto a surface, turning the room into a large pinhole camera.

The advent of photography, from the Ancient Greek words φως phos ("light"), and γραφη graphê ("stylus", "paintbrush") or γραφω graphō (the verb, "I write/draw"), together meaning "drawing with light" or "representation by means of lines" or "drawing", has gained the interest of scientists and artists from its inception. Scientists have used photography to record and study movements, such as Eadweard Muybridge's study of human and animal locomotion (1887). Artists are equally interested in these aspects but also try to explore avenues other than the photo-mechanical representation of reality, such as the pictorialist movement. Military, police and security forces use photography for surveillance, recognition and data storage. Photography is used to preserve favorite memories and as a source of entertainment.

Foto pertama adalah foto yang dihasilkan pada 1826 oleh penemu Perancis Nicéphore Niépce pada dipoles Pewter plat minyak bumi yang ditutup dengan turunan aspal yang disebut JUDEA. Tetapi selama berabad-abad telah gambar diproyeksikan ke permukaan - seniman menggunakan kamera obscura dan kamera lucida untuk melacak adegan seawal abad yang ke-16 kalinya. Ini awal "kamera" tidak memperbaiki foto, namun hanya proyeksi dari gambar tersebut di dinding ruang yang gelap menuju sebuah permukaan, kembali ke dalam ruangan besar pinhole kamera.

The advent dari fotografi, dari kata Yunani Kuno φως phos ( "terang"), dan γραφη graphê ( "stylus", "kuas") atau γραφω graphō (the verb, "Aku menulis / menarik"), bersama-sama berarti "menggambar dengan cahaya "atau" perwakilan dengan baris "atau" gambar ", yang telah ikut serta kepentingan para ilmuwan dan seniman dari berbagai macam. Ilmuwan telah menggunakan fotografi untuk merekam dan kajian gerakan, seperti Eadweard Muybridge dari studi daya manusia dan hewan (1887). Seniman yang sama-sama tertarik pada aspek-aspek ini tetapi juga mencoba untuk mencari cara lain selain foto-mekanis representasi dari realitas, seperti pictorialist gerakan. Militer, polisi dan pasukan keamanan untuk menggunakan fotografi surveilans, pengakuan dan penyimpanan data. Fotografi digunakan untuk melestarikan kenangan favorit dan sebagai sumber hiburan.

Immersive virtual reality

Immersive virtual reality adalah hipotesis teknologi masa depan yang ada saat ini sebagai seni virtual reality proyek, sebagian besar. Terdiri dari pencelupan dalam suatu lingkungan buatan di mana pengguna merasa seperti yg terbenam karena biasanya merasa konsensus dalam kenyataan.

Immersive virtual reality is a hypothetical future technology that exists today as virtual reality art projects, for the most part. It consists of immersion in an artificial environment where the user feels just as immersed as they usually feel in consensus reality.

Direct stimulation of the nervous system
Perangsangan langsung dari sistem saraf

The most considered method would be to induce the sensations that made up the virtual reality in the nervous system directly.

In functionalism/conventional biology we interact with consensus reality through the nervous system. Thus we receive all input from all the senses as nerve impulses. It gives your neurons a feeling of heightened sensation.

It would involve the user receiving inputs as artificially stimulated nerve impulses, the system would receive the CNS outputs (natural nerve impulses) and process them allowing the user to interact with the virtual reality.

Natural impulses between the body and central nervous system would need to be prevented.

Metode yang paling dianggap akan teknologi yang sensations yang dibuat di atas virtual reality dalam sistem saraf secara langsung.

Dalam functionalism / konvensional biologi kita berinteraksi dengan realitas konsensus melalui sistem saraf. Oleh karena itu kami menerima semua masukan dari semua indera sebagai syaraf impulses. Memberikan Anda sebuah neurons sensasi rasa tinggi.

Ini akan melibatkan pengguna menerima masukan sebagai artificially merangsang syaraf impulses, sistem akan menerima CNS keluaran (nerve impulses alam) dan memproses mereka mengizinkan user untuk berinteraksi dengan realitas maya.

Alam impulses antara tubuh dan sistem saraf pusat akan harus dicegah.

Persyaratan

Pemahaman tentang sistem saraf

Sebuah pemahaman yang komprehensif syaraf impulses sesuai dengan yang sensations, dan motor yang sesuai dengan yang impulses otot contractions akan diperlukan. Ini akan mengijinkan yang benar dalam sensations pengguna, dan tindakan dalam virtual reality terjadi. Blue Brain Proyek yang sekarang, paling menjanjikan penelitian dengan idea memahami bagaimana otak bekerja dengan skala besar bangunan model komputer.

Kemampuan untuk memanipulasi CNS

Sistem saraf yang akan jelas perlu dimanipulasi. Sementara non-serbuan perangkat yang menggunakan radiasi telah postulated, invasi berhubung dgn sibernetika implants cenderung menjadi tersedia lebih cepat dan akurat. Manipulasi dapat terjadi pada setiap tahap dari sistem saraf - chord adalah tulang belakang yang mungkin sederhana - Semua saraf melalui disini sehingga hal ini dapat menjadi satu-satunya tempat Manipulasi. Nanoteknologi molekular akan memberikan tingkat presisi diperlukan dan dapat memperbolehkan susuk yang akan dibangun di dalam tubuh daripada yang dimasukkan oleh suatu operasi.

Generative art

Generative art refers to art that has been generated, composed, or constructed in an algorithmic manner through the use of systems defined by computer software algorithms, or similar mathematical or mechanical or randomised autonomous processes.

Generatif merujuk kepada seni seni yang telah dihasilkan, terdiri atau dibangun dalam suatu cara algorithmic melalui penggunaan sistem komputer yang ditentukan oleh algoritma perangkat lunak, atau sejenis matematika atau mekanis atau proses randomised otonom.

Description
Generative art is a system oriented art practice where the common denominator is the use of systems as a production method. To meet the definition of generative art, an artwork must be self-contained and operate with some degree of autonomy. The workings of systems in generative art might resemble, or rely on, various scientific theories such as Complexity science and Information theory. The systems of generative artworks have many similarities with systems found in various areas of science. Such systems may exhibit order and/or disorder, as well as a varying degree of complexity, making behavioral prediction difficult. However, such systems still contain a defined relationship between cause and effect. Wolfgang Amadeus Mozart's "Musikalisches Würfelspiel" (Musical Dice Game) 1757 is an early example of a generative system based on randomness. The structure was based on an element of order on one hand, and disorder on the other.

An artist or creator will usually set down certain ground-rules or formulae and/or templates materials, and will then set a random or semi-random process to work on those elements. The results will remain somewhat within set limits, but may also be subject to subtle or even startling mutations. The idea of putting the art making process in the place of a pre-generated artwork is a key feature in generative art, highlighting the process-orientation as an essential characteristic. Generative artists such as Hans Haacke have explored processes of physical and biological systems in artistic context.

Generative art can also evolve in real-time, by applying feedback and generative processes to its own created states. A generative work of art would in this case never be seen to play in the same way twice. Different types of graphical programming environments (e.g. Max/Msp, Pure Data or vvvv) are used in real-time for generative audiovisual artistic expressions for instance in the Demoscene and in VJ-culture.

Artificial intelligence and automated behavior have introduced new ways of seeing generative art. The term behavior is particularly useful when describing generative qualities in art because of the associations to biology and evolution, for example with the virus models used by the digital artist Joseph Nechvatal. Autopoiesis by Ken Rinaldo includes fifteen musical and robotic sculptures that interact with the public and modify their behaviors based on both the presence of the participants and each other.

The term generative art does not describe any art-movement or ideology. It's a method of making art. The term refers to how the art is made, and does not take into account why it was made or what the content of the artwork is.

Keterangan
Generatif seni adalah sistem yang berorientasi pada praktik seni di mana common denominator adalah penggunaan sistem sebagai metode produksi. Untuk memenuhi definisi generatif seni, sebuah karya seni harus serba lengkap dan beroperasi dengan beberapa derajat otonomi. Pekerjaan di dalam sistem generatif seni mungkin mirip, atau bergantung pada berbagai teori-teori ilmiah seperti ilmu Kompleksitas dan Informasi teori. Sistem generatif karya-karya seni yang memiliki banyak kesamaan dengan sistem yang ditemukan di berbagai bidang ilmu. Seperti sistem Mei pameran pesanan dan / atau kekacauan, serta yang berbeda-beda kompleksitas, membuat prediksi perilaku sulit. Namun, sistem seperti itu masih berisi ditentukan hubungan antara penyebab dan efek. Wolfgang Amadeus Mozart's "Musikalisches Würfelspiel" (Musical permainan dadu) 1757 adalah sebuah contoh awal dari sebuah sistem generatif berdasarkan keserampangan. Struktur ini didasarkan pada urutan elemen pada satu sisi, dan kekacauan pada lainnya.

Seorang seniman atau pencipta biasanya akan menetapkan bawah tanah-aturan tertentu atau formulae dan / atau bahan template, dan kemudian akan menetapkan acak atau semi-acak proses untuk bekerja pada orang-orang elemen. Hasilnya akan tetap yang menetapkan batas waktu, tetapi mungkin juga akan terganggu atau bahkan halus mengejuntukan mutations. Ide untuk menempatkan seni membuat proses di tempat pra-karya seni yang dihasilkan adalah fitur utama dalam seni generatif, dengan proses-orientasi sebagai ciri penting. Generatif seniman seperti Hans Haacke ada dieksplorasi proses fisik dan biologi sistem artistik konteks.

Generatif seni juga dapat berkembang secara real-time, dengan menerapkan proses generatif dan saran untuk membuat negara sendiri. J generatif karya seni dalam hal ini akan terlihat tidak pernah bermain dengan cara yang sama dua kali. Berbagai jenis program lingkungan grafis (misalnya Maks / Msp, Pure Data atau vvvv) digunakan secara real-time untuk generatif audiovisual artistik ekspresi misalnya di Demoscene dan VJ-budaya.

Buatan intelijen dan perilaku otomatis telah memperkenalkan cara-cara baru yang melihat seni generatif. Istilah perilaku ini berguna terutama ketika menjelaskan kualitas dalam seni generatif karena dari asosiasi ke biologi dan evolusi, misalnya dengan virus model yang digunakan oleh seniman digital Yusuf Nechvatal. Autopoiesis oleh Ken Rinaldo termasuk lima belas musik dan patung-patung robot yang berinteraksi dengan masyarakat dan mengubah perilaku mereka berdasarkan pada keberadaan para peserta dan satu sama lain.

Istilah seni generatif tidak menjelaskan apapun seni-gerakan atau ideologi. It's a metode pembuatan seni. Istilah merujuk kepada bagaimana seni dibuat, dan tidak memperhitungkan mengapa itu dilakukan atau apa isi karya seni itu.

New media art

New media art is an art genre that encompasses artworks created with new media technologies, including digital art, computer graphics, computer animation, Internet art, interactive art technologies, computer robotics, and art as biotechnology. The term differentiates itself by its resulting cultural objects, which can be seen in opposition to those deriving from old media arts (i.e. traditional painting, sculpture, etc.) This concern with medium is a key feature of much contemporary art and indeed many art schools now offer a major in "New Genres" or "New Media."

New Media concerns are often derived from the telecommunications, mass media and digital modes of delivery the artworks involve, with practices ranging from conceptual to virtual art, performance to installation.


Seni media baru adalah sebuah aliran seni yang meliputi karya-karya seni media baru dibuat dengan teknologi, termasuk seni digital, komputer grafis, animasi komputer, seni internet, teknologi interaktif seni, komputer robotics, dan seni sebagai bioteknologi. Istilah itu sendiri oleh beberapa hasil budaya benda, yang dapat dilihat dalam oposisi kepada mereka deriving dari seni media lama (yakni tradisional lukisan, patung, dll) dengan perhatian media ini merupakan kunci banyak fitur dan seni kontemporer memang banyak sekolah seni sekarang menawarkan utama dalam "Genre Baru" atau "New Media".

Media baru kekhawatiran sering berasal dari telekomunikasi, media massa dan digital mode penyampaian yang melibatkan karya-karya seni, mulai dari praktek-praktek dengan konseptual untuk virtual seni, kinerja instalasi.

History
The origins of new media art can be traced to the moving photographic inventions of the late 19th Century such as the zoetrope (1834), the praxinoscope (1877) and Eadweard Muybridge's zoopraxiscope (1879).

During the 1960s the development of then new technologies of video produced the new media art experiments of Nam June Paik and Wolf Vostell, and multimedia performances of Fluxus.

Simultaneously advances in biotechnology have also allowed artists like Eduardo Kac or Olga Kisseleva to begin exploring the new yet ancient medium of DNA and genetics.

Contemporary New Media Art influences on new media art have been the theories developed around hypertext, databases, and networks. Important thinkers in this regard have been Vannevar Bush and Theodor Nelson with important contributions from the literary works of Jorge Luis Borges, Italo Calvino, Julio Cortázar and Douglas Cooper. These elements have been especially revolutionary for the field of narrative and anti-narrative studies, leading explorations into areas such as non-linear and interactive narratives.

sejarah ( asal-muasal )

Yang berasal dari seni media baru dapat pindah ke pelaksanaan foto penemuan dari akhir Abad 19 seperti zoetrope (1834), maka praxinoscope (1877) dan Eadweard Muybridge dari zoopraxiscope (1879).

Selama tahun 1960-an perkembangan teknologi baru, maka video yang dihasilkan percobaan seni media baru dari Nam Jun Paik dan Wolf Vostell, performance dan multimedia dari Fluxus.

Sekaligus kemajuan bioteknologi juga telah diizinkan seniman seperti Eduardo Kac Olga Kisseleva atau untuk mulai menjajaki kuno yang baru namun media DNA dan genetika.

Seni Kontemporer Baru Media pengaruh pada seni media baru yang telah dikembangkan di sekitar teori hypertext, database, dan jaringan. Pemikir penting dalam hal ini telah Vannevar Bush dan Theodor Nelson dengan kontribusi penting dari karya sastra Jorge Luis Borges, Italo Calvino, Julio Cortázar dan Douglas Cooper. Elemen ini telah revolusioner khususnya untuk bidang naratif-naratif dan anti studi, yang menjadi daerah eksplorasi seperti non-linear dan interaktif narasi.



Themes
According the book "New Media Art" by Mark Tribe and Reena Jena contemporary new media art pieces tend to deal with themes such as computer art, collaboration, identity, appropriation and open sourcing, telepresence and surveillance, corporate parody, as well as intervention and hacktivism. (Tribe, Mark; Jena, Reena (2007-02-22). "New Media Art - Introduction". New Media Art. Taschen/Brown. Retrieved on 2007-11-29.)

The interconnectivity and interactivity of the internet as well as the fight between corporate interests, governmental interests and public interests which gave birth to the web and continue today fascinate and inspire a lot of current New Media Art.



Tema
Menurut buku "New Media Art" oleh Tribe dan Reena Jena seni kontemporer media baru potong cenderung untuk menangani dengan tema seperti komputer seni, kolaborasi, identitas, dan membuka sumber appropriation, telepresence dan surveilans, perusahaan parodi, serta intervensi dan hacktivism. (Suku, Mark; Jena, Reena (2007/02/22). "New Media Art - Pendahuluan". Seni Media Baru. Taschen / Brown. Diperoleh pada 2007/11/29.)

The interconnectivity dan interaktifitas dari internet serta memerangi antara kepentingan perusahaan, kepentingan pemerintah dan kepentingan umum yang telah melahirkan web dan berlanjut hari ini menawan dan inspirasi banyak saat ini Seni Media Baru.

SENIRUPA

Seni rupa
adalah cabang seni yang membentuk karya seni dengan media yang bisa ditangkap mata dan dirasakan dengan rabaan. Kesan ini diciptakan dengan mengolah konsep garis, bidang, bentuk, volume, warna, tekstur, dan pencahayaan dengan acuan estetika.
Seni rupa dibedakan ke dalam tiga kategori, yaitu seni rupa murni, kriya, dan desain. Seni rupa murni mengacu kepada karya-karya yang hanya untuk tujuan pemuasan eksresi pribadi, sementara kriya dan desain lebih menitikberatkan fungsi dan kemudahan produksi.
Secara kasar terjemahan seni rupa di dalam Bahasa Inggris adalah fine art. Namun sesuai perkembangan dunia seni modern, istilah fine art menjadi lebih spesifik kepada pengertian seni rupa murni untuk kemudian menggabungkannya dengan desain dan kriya ke dalam bahasan visual arts.

Bidang seni rupa
Seni rupa murni...
Seni lukis
Seni grafis
Seni patung
Seni instalasi
Seni pertunjukan
Seni keramik


[Seni lukis]
Sejarah umum seni lukis
Zaman prasejarah

Secara historis, seni lukis sangat terkait dengan gambar. Peninggalan-peninggalan prasejarah memperlihatkan bahwa sejak ribuan tahun yang lalu, nenek moyang manusia telah mulai membuat gambar pada dinding-dinding gua untuk mencitrakan bagian-bagian penting dari kehidupan mereka.

Semua kebudayaan di dunia mengenal seni lukis. Ini disebabkan karena lukisan atau gambar sangat mudah dibuat. Sebuah lukisan atau gambar bisa dibuat hanya dengan menggunakan materi yang sederhana seperti arang, kapur, atau bahan lainnya. Salah satu teknik terkenal gambar prasejarah yang dilakukan orang-orang gua adalah dengan menempelkan tangan di dinding gua, lalu menyemburnya dengan kunyahan daun-daunan atau batu mineral berwarna.

Hasilnya adalah jiplakan tangan berwana-warni di dinding-dinding gua yang masih bisa dilihat hingga saat ini. Kemudahan ini memungkinkan gambar (dan selanjutnya lukisan) untuk berkembang lebih cepat daripada cabang seni rupa lain seperti seni patung dan seni keramik.

Seperti gambar, lukisan kebanyakan dibuat di atas bidang datar seperti dinding, lantai, kertas, atau kanvas. Dalam pendidikan seni rupa modern di Indonesia, sifat ini disebut juga dengan dwi-matra (dua dimensi, dimensi datar). Seiring dengan perkembangan peradaban, nenek moyang manusia semakin mahir membuat bentuk dan menyusunnya dalam gambar, maka secara otomatis karya-karya mereka mulai membentuk semacam komposisi rupa dan narasi (kisah/cerita) dalam karya-karyanya.

Objek yang sering muncul dalam karya-karya purbakala adalah manusia, binatang, dan obyek-obyek alam lain seperti pohon, bukit, gunung, sungai, dan laut. Bentuk dari obyek yang digambar tidak selalu serupa dengan aslinya. Ini disebut citra dan itu sangat dipengaruhi oleh pemahaman si pelukis terhadap obyeknya. Misalnya, gambar seekor banteng dibuat dengan proporsi tanduk yang luar biasa besar dibandingkan dengan ukuran tanduk asli. Pencitraan ini dipengaruhi oleh pemahaman si pelukis yang menganggap tanduk adalah bagian paling mengesankan dari seekor banteng. Karena itu, citra mengenai satu macam obyek menjadi berbeda-beda tergantung dari pemahaman budaya masyarakat di daerahnya. Pencitraan ini menjadi sangat penting karena juga dipengaruhi oleh imajinasi. Dalam perkembangan seni lukis, imajinasi memegang peranan penting hingga kini.

Pada mulanya, perkembangan seni lukis sangat terkait dengan perkembangan peradaban manusia. Sistem bahasa, cara bertahan hidup (memulung, berburu dan memasang perangkap, bercocok-tanam), dan kepercayaan (sebagai cikal bakal agama) adalah hal-hal yang mempengaruhi perkembangan seni lukis. Pengaruh ini terlihat dalam jenis obyek, pencitraan dan narasi di dalamnya. Pada masa-masa ini, seni lukis memiliki kegunaan khusus, misalnya sebagai media pencatat (dalam bentuk rupa) untuk diulangkisahkan. Saat-saat senggang pada masa prasejarah salah satunya diisi dengan menggambar dan melukis. Cara komunikasi dengan menggunakan gambar pada akhirnya merangsang pembentukan sistem tulisan karena huruf sebenarnya berasal dari simbol-simbol gambar yang kemudian disederhanakan dan dibakukan.

Pada satu titik, ada orang-orang tertentu dalam satu kelompok masyarakat prasejarah yang lebih banyak menghabiskan waktu untuk menggambar daripada mencari makanan. Mereka mulai mahir membuat gambar dan mulai menemukan bahwa bentuk dan susunan rupa tertentu, bila diatur sedemikian rupa, akan nampak lebih menarik untuk dilihat daripada biasanya. Mereka mulai menemukan semacam cita-rasa keindahan dalam kegiatannya dan terus melakukan hal itu sehingga mereka menjadi semakin ahli. Mereka adalah seniman-seniman yang pertama di muka bumi dan pada saat itulah kegiatan menggambar dan melukis mulai condong menjadi kegiatan seni.

Seni lukis zaman klasik

Seni lukis zaman klasik kebanyakan dimaksudkan untuk tujuan:
Mistisme (sebagai akibat belum berkembangnya agama)
Propaganda (sebagai contoh grafiti di reruntuhan kota Pompeii),

Di zaman ini lukisan dimaksudkan untuk meniru semirip mungkin bentuk-bentuk yang ada di alam. Hal ini sebagai akibat berkembangnya ilmu pengetahuan dan dimulainya kesadaran bahwa seni lukis mampu berkomunikasi lebih baik daripada kata-kata dalam banyak hal. Selain itu, kemampuan manusia untuk menetap secara sempurna telah memberikan kesadaran pentingnya keindahan di dalam perkembangan peradaban.

seni lukis jaman pertengahan
Sebagai akibat terlalu kuatnya pengaruh agama di zaman pertengahan, seni lukis mengalami penjauhan dari ilmu pengetahuan. Ilmu pengetahuan dianggap sebagai sihir yang bisa menjauhkan manusia dari pengabdian kepada Tuhan. Akibatnya, seni lukis pun tidak lagi bisa sejalan dengan realitas.

Kebanyakan lukisan di zaman ini lebih berupa simbolisme, bukan realisme. Sehingga sulit sekali untuk menemukan lukisan yang bisa dikategorikan "bagus".

Lukisan pada masa ini digunakan untuk alat propaganda dan religi. Beberapa agama yang melarang penggambaran hewan dan manusia mendorong perkembangan abstrakisme (pemisahan unsur bentuk yang "benar" dari benda).

Namun sebagai akibat pemisahan ilmu pengetahuan dari kebudayaan manusia, perkembangan seni pada masa ini mengalami perlambatan hingga dimulainya masa renaissance.

Seni lukis zaman Renaissance

Berawal dari kota Firenze. Setelah kekalahan dari Turki, banyak sekali ahli sains dan kebudayaan (termasuk pelukis) yang menyingkir dari Bizantium menuju daerah semenanjung Italia sekarang.

Dukungan dari keluarga deMedici yang menguasai kota Firenze terhadap ilmu pengetahuan modern dan seni membuat sinergi keduanya menghasilkan banyak sumbangan terhadap kebudayaan baru Eropa.

Seni Rupa menemukan jiwa barunya dalam kelahiran kembali seni zaman klasik. Sains di kota ini tidak lagi dianggap sihir, namun sebagai alat baru untuk merebut kembali kekuasaan yang dirampas oleh Turki.

Pada akhirnya, pengaruh seni di kota Firenze menyebar ke seluruh Eropa hingga Eropa Timur.

Tokoh yang banyak dikenal dari masa ini adalah:
Tomassi
Donatello
Leonardo da Vinci
Michaelangelo
Raphael


Art Nouveau

Revolusi Industri di Inggris telah menyebabkan mekanisasi di dalam banyak hal. Barang-barang dibuat dengan sistem produksi massal dengan ketelitian tinggi. Sebagai dampaknya, keahlian tangan seorang seniman tidak lagi begitu dihargai karena telah digantikan kehalusan buatan mesin.

Sebagai jawabannya, seniman beralih ke bentuk-bentuk yang tidak mungkin dicapai oleh produksi massal (atau jika bisa, akan biaya pembuatannya menjadi sangat mahal). Lukisan, karya-karya seni rupa, dan kriya diarahkan kepada kurva-kurva halus yang kebanyakan terinspirasi dari keindahan garis-garis tumbuhan di alam.

Sejarah seni lukis di Indonesia
Seni lukis modern Indonesia dimulai dengan masuknya penjajahan Belanda di Indonesia. Kecenderungan seni rupa Eropa Barat pada zaman itu ke aliran romantisme membuat banyak pelukis Indonesia ikut mengembangkan aliran ini. Awalnya pelukis Indonesia lebih sebagai penonton atau asisten, sebab pendidikan kesenian merupakan hal mewah yang sulit dicapai penduduk pribumi. Selain karena harga alat lukis modern yang sulit dicapai penduduk biasa.

Raden Saleh Syarif Bustaman adalah salah seorang asisten yang cukup beruntung bisa mempelajari melukis gaya Eropa yang dipraktekkan pelukis Belanda.

Raden Saleh kemudian melanjutkan belajar melukis ke Belanda, sehingga berhasil menjadi seorang pelukis Indonesia yang disegani dan menjadi pelukis istana di beberapa negera Eropa.

Namun seni lukis Indonesia tidak melalui perkembangan yang sama seperti zaman renaisans Eropa, sehingga perkembangannya pun tidak melalui tahapan yang sama.

Era revolusi di Indonesia membuat banyak pelukis Indonesia beralih dari tema-tema romantisme menjadi cenderung ke arah "kerakyatan". Objek yang berhubungan dengan keindahan alam Indonesia dianggap sebagai tema yang mengkhianati bangsa, sebab dianggap menjilat kepada kaum kapitalis yang menjadi musuh ideologi komunisme yang populer pada masa itu. Para pelukis kemudian beralih kepada potret nyata kehidupan masyarakat kelas bawah dan perjuangan menghadapi penjajah.

Selain itu, alat lukis seperti cat dan kanvas yang semakin sulit didapat membuat lukisan Indonesia cenderung ke bentuk-bentuk yang lebih sederhana, sehingga melahirkan abstraksi.

Gerakan Manifesto Kebudayaan yang bertujuan untuk melawan pemaksaan ideologi komunisme membuat pelukis pada masa 1950an lebih memilih membebaskan karya seni mereka dari kepentingan politik tertentu, sehingga era ekspresionisme dimulai. Lukisan tidak lagi dianggap sebagai penyampai pesan dan alat propaganda, namun lebih sebagai sarana ekspresi pembuatnya. Keyakinan tersebut masih dipegang hingga saat ini.

Perjalanan seni lukis kita sejak perintisan R. Saleh sampai awal abad XXI ini, terasa masih terombang-ambing oleh berbagai benturan konsepsi.

Kemapanan seni lukis Indonesia yang belum mencapai tataran keberhasilan sudah diporak-porandakan oleh gagasan modernisme yang membuahkan seni alternatif atau seni kontemporer, dengan munculnya seni konsep (conceptual art): “Installation Art”, dan “Performance Art”, yang pernah menjamur di pelosok kampus perguruan tinggi seni sekitar 1993-1996. Kemudian muncul berbagai alternatif semacam “kolaborasi” sebagai mode 1996/1997. Bersama itu pula seni lukis konvensional dengan berbagai gaya menghiasi galeri-galeri, yang bukan lagi sebagai bentuk apresiasi terhadap masyarakat, tetapi merupakan bisnis alternatif investasi

Aliran seni lukis
Surrealisme
Lukisan dengan aliran ini kebanyakan menyerupai bentuk-bentuk yang sering ditemui di dalam mimpi. Pelukis berusaha untuk mengabaikan bentuk secara keseluruhan kemudian mengolah setiap bagian tertentu dari objek untuk menghasilkan sensasi tertentu yang bisa dirasakan manusia tanpa harus mengerti bentuk aslinya.

Kubisme
Adalah aliran yang cenderung melakukan usaha abstraksi terhadap objek ke dalam bentuk-bentuk geometri untuk mendapatkan sensasi tertentu. Salah satu tokoh terkenal dari aliran ini adalah Pablo Picasso.





Romantisme
Merupakan aliran tertua di dalam sejarah seni lukis modern Indonesia. Lukisan dengan aliran ini berusaha membangkitkan kenangan romantis dan keindahan di setiap objeknya. Pemandangan alam adalah objek yang sering diambil sebagai latar belakang lukisan.
Romantisme dirintis oleh pelukis-pelukis pada zaman penjajahan Belanda dan ditularkan kepada pelukis pribumi untuk tujuan koleksi dan galeri di zaman kolonial. Salah satu tokoh terkenal dari aliran ini adalah Raden Saleh.







Aliran lain
Ekspresionisme
Impresionisme
Fauvisme
Neo-Impresionisme
Realisme
Naturalisme
De Stijl

Abstraksi
Adalah usaha untuk mengesampingkan unsur bentuk dari lukisan. Teknik abstraksi yang berkembang pesat seiring merebaknya seni kontemporer saat ini berarti tindakan menghindari peniruan objek secara mentah. Unsur yang dianggap mampu memberikan sensasi keberadaan objek diperkuat untuk menggantikan unsur bentuk yang dikurangi porsinya.

Pelukis Indonesia
Affandi
Agus Djaya
Barli Sasmitawinata
Basuki Abdullah
Djoko Pekik
Dullah
Hendra Gunawan
Herry Dim
Jeihan
Kartika Affandi
Lee Man Fong
Otto Djaya
Popo Iskandar
Raden Saleh
S. Sudjojono
Srihadi
Sri Warso Wahono
Trubus

Seni instalasi
Seni instalasi (installation = pemasangan) adalah seni yang memasang, menyatukan, dan mengkontruksi sejumlah benda yang dianggap bisa merujuk pada suatu konteks kesadaran makna tertentu. Biasanya makna dalam persoalan-persoalan sosial-politik dan hal lain yang bersifat kontemporer diangkat dalam konsep seni instalasi ini.

Seni instalasi dalam konteks visual merupakan perupaan yang menyajikan visual tiga dimensional yang memperhitungkan elemen-elemen ruang, waktu, suara, cahaya, gerak dan interaksi spektator (pengunjung pameran) sebagai konsepsi akhir dari olah rupa.

seni pertunjukan
Seni pertunjukan (Bahasa Inggris: performance art) adalah karya seni yang melibatkan aksi individu atau kelompok di tempat dan waktu tertentu. Seni performance biasanya melibatkan empat unsur: waktu, ruang, tubuh si seniman dan hubungan seniman dengan penonton.

Meskipun seni performance bisa juga dikatakan termasuk di dalamnya kegiatan-kegiatan seni mainstream seperti teater, tari, musik dan sirkus, tapi biasanya kegiatan-kegiatan seni tersebut pada umumnya lebih dikenal dengan istilah 'seni pertunjukan' (performing arts). Seni performance adalah istilah yang biasanya mengacu pada seni konseptual atau avant garde yang tumbuh dari seni rupa dan kini mulai beralih ke arah seni kontemporer.